Composición - Backstage Música

CHATGPT en la música – Inteligencia Artificial

La tecnología de procesamiento de lenguaje natural (NLP) ha estado en constante evolución en los últimos años. Los modelos de lenguaje de inteligencia artificial, como GPT (Generative Pre-trained Transformer), han hecho posible la creación de un chatbot que se utiliza en la industria de la música. Este chatbot, llamado ChatGPT, es capaz de generar letras de canciones, melodías y acordes en función de las palabras que se le proporcionan.

En este artículo, discutiremos cómo se puede utilizar ChatGPT en la música y las formas en que puede cambiar la forma en que se crean y se escriben canciones.

ChatGPT utiliza el aprendizaje automático para comprender y producir texto. Se alimenta de grandes cantidades de datos de texto para «aprender» cómo las palabras y las frases se utilizan en diferentes contextos y crear su propia versión de lenguaje natural. En el caso de la música, se puede utilizar para generar letras de canciones, acordes y melodías en función de las palabras y frases que se proporcionan.

Formas de utilizar ChatGPT
Una forma en que los compositores pueden utilizar ChatGPT es proporcionando una línea de letras o una idea de canción. Por ejemplo, si un compositor quiere crear una canción sobre el amor, puede proporcionar la palabra «amor» a ChatGPT.

El chatbot luego puede generar una letra completa basada en la palabra «amor», que el compositor puede editar y ajustar para que se adapte mejor a su estilo musical y mensaje. Esto puede ayudar a los compositores a superar el bloqueo del escritor y generar nuevas ideas.

Otra forma en que los músicos pueden utilizar ChatGPT es proporcionando una serie de acordes o notas musicales. El chatbot puede generar una melodía basada en los acordes o notas que se proporcionan.

Esto puede ser particularmente útil para los músicos que no tienen un conocimiento profundo de la teoría musical o que desean experimentar con diferentes progresiones de acordes o melodías.

Además, ChatGPT también puede utilizarse para generar letras y melodías de canciones de manera colaborativa. Los músicos pueden trabajar juntos en tiempo real en una plataforma en línea y compartir ideas con el chatbot.

El chatbot puede generar nuevas ideas basadas en las contribuciones de los músicos, lo que puede ayudar a guiar la dirección creativa de la canción.

Una ventaja adicional de utilizar ChatGPT en la música es que el chatbot puede ayudar a crear canciones que sean más accesibles y relevantes para audiencias de diferentes culturas y lenguajes.

El chatbot puede generar letras de canciones en diferentes idiomas, lo que puede ser especialmente útil para los músicos que desean llegar a audiencias internacionales.

Además, el chatbot puede ayudar a los músicos a encontrar palabras y frases que sean más comunes y accesibles para el público en general, lo que puede aumentar la conexión emocional de la audiencia con la canción.

No todo puede hacerlo ChatGPT
A pesar de las ventajas de utilizar ChatGPT en la música, es importante tener en cuenta que el chatbot no puede reemplazar completamente la habilidad y creatividad de los músicos y compositores.

El chatbot es una herramienta que puede ayudar a generar nuevas ideas, pero es importante que los músicos y compositores trabajen en estrecha colaboración con el chatbot para ajustar y refinar las ideas generadas y asegurarse de que la canción refleje su visión y estilo musical.

Además, la calidad de la letra y la música generadas por ChatGPT puede ser variable. Aunque el chatbot utiliza modelos de lenguaje de inteligencia artificial muy avanzados, todavía hay margen de mejora en la generación de letra y melodías.

Es importante que los músicos y compositores utilicen su criterio y juicio para evaluar la calidad de las ideas generadas por el chatbot y asegurarse de que la letra y la música sean coherentes y estén bien estructuradas.

En general, ChatGPT es una herramienta muy valiosa para los músicos y compositores que desean generar nuevas ideas y experimentar con diferentes estilos de música y letras. La capacidad del chatbot para generar letras y melodías basadas en palabras y acordes proporcionados por los músicos puede ser una gran ayuda para superar el bloqueo del escritor y la falta de inspiración.

Además, la capacidad de generar letras y melodías en diferentes idiomas y para diferentes culturas puede ayudar a los músicos a llegar a audiencias internacionales y crear un mayor impacto emocional.

En el futuro, es probable que veamos una mayor integración de ChatGPT y otras tecnologías de inteligencia artificial en la industria de la música. Los músicos y compositores pueden esperar que estas herramientas se vuelvan aún más sofisticadas y capaces de producir música y letras de alta calidad.

Es importante recordar que, aunque las herramientas de inteligencia artificial pueden ser una gran ayuda para la creatividad, todavía es la habilidad y el talento de los músicos y compositores lo que produce la música y las letras más impactantes y duraderas.

5 Elementos para crecer en la música

Aquí tienes los 5 elementos sobre los que tendrías que dedicar el 80% del tiempo que inviertes al proyecto musical.
El problema radica en que precisamente ese 80% del tiempo se diluye en las multitareas a la que te enfrentas para gestionar tu día a día.

1 | LA CANCIÓN
Sin duda, un artista o banda musical no puede perder este horizonte. La canción es la base de todo y sin buenas obras musicales, jamás podrás posicionarte en el mercado.

Un mercado altamente competitivo.

Para ello, no dejes de investigar en el tema, de codearte con otros compositores mejores que tú, de optimizar lo que ya has hecho, de potenciar la inspiración viajando, leyendo y escuchando música del mundo.

La gran mayoría de los grandes compositores que conozco, se han formado de múltiples maneras para poder llegar a crear canciones que conecten y que ofrezcan opciones.

2 | LA MARCA ARTÍSTICA
Ahora se habla mucho de esto pero de toda la vida ha existido y ha sido vital para poder vivir y crecer en la música.

Trabajar la marca no es más que identificar el ADN de la personalidad del proyecto para visualizar que huella queremos y pretendemos dejar en los demás.

Dentro de este punto es determinante identificar donde tú como artista brillas más y sobre todo, cuál es tu principal valor diferencial.

¿Es la imagen? ¿es el estilo musical? ¿es tu discurso?

3 | LOS CONTENIDOS
Es el vehículo para que tu música conecte con el público ideal al que te quieres dirigir.

Hoy, para hacer carrera en la música es vital que tengas capacidad, en base a la esencia de tu proyecto (la marca), para generar contenidos que conecten y aporten al público.

Selecciona qué soportes de acción vas a utilizar (Facebook, Tik Tok, Youtube, Instagram…) y qué tipo de formatos son los que mejor conectan contigo y con tu público.

4 | LAS ALIANZAS
Esto es más importante de lo que te imaginas para crecer en la música.

Todos los grandes artistas con los que he tenido ocasión de compartir y trabajar hacen especial hincapié en este punto.

Alíate con otros colegas que aporten lo que no tienes.

Una buena alianza es aquella en la que ambas partes ganan.

Pueden crear una alianza para:

Componer una canción
Interpretar una canción
Crear un evento presencial
Hacer un directo en Instagram

Piensa siempre si esa alianza que pretendes llevar a cabo hará de alguna manera que tu proyecto avance.

5 | EL SACRIFICIO
Este no te lo esperabas pero es determinante como los demás.

Te decía que hoy para vivir de la música hay que trabajar duro.

Nadie te va a reglar nada y te vas a encontrar muchos obstáculos en le camino. Por ello deberás tener capacidad de sacrificio.

La voluntad es como un espacio en nuestra mente que se va agotando y recomponiendo pero es el aliado perfecto para poder sobreponerte en momentos de turbulencias.

Esta fuerza de voluntad se trabaja por una parte teniendo objetivos a corto plazo que te ilusionen y eleven la autoestima y por otra reforzando tu mentalidad afianzando en tu día a día hábitos que te lleven a una vida equilibrada en todos los sentidos.

Ahora toca reflexionar si realmente estás poniendo el foco en lo que realmente puede hacer que tu proyecto musical evolucione.

Fuente: Dani Aragon

Singles: ¿Cómo, cuándo y por qué lanzarlos?

Lanzar singles con frecuencia puede ser más fácil de lo que crees.

Vivimos en la era de los singles. A medida que el streaming de música ha crecido en popularidad en la última década, lo ha hecho junto al formato del single. Aunque un álbum de larga duración muestra que vas creciendo en serio con tu música, lanzar singles es una herramienta indispensable para cualquier artista.

Los singles son especialmente útiles para nuevos artistas, cuyos seguidores potenciales deben escoger entre un menú completo de un álbum de 45 minutos o un aperitivo de tres minutos. Cuando solo quieren descubrir cuál es tu onda, escogerán la opción de un bocado de muestra, me explico?

Pero hay muchas más formas de lanzar un single que solo ofrecer un adelanto de un nuevo disco. Y también hay más motivos para publicar singles. ¿El mayor de ellos? Las plataformas de streaming recompensan a los artistas que lanzan música nueva regularmente.

No esperes un año o dos entre lanzamientos. Cuanto más frecuentemente lances música nueva, más posibilidades de llegar a una playlist editorial en una plataforma como Spotify, así como playlists dentro de Backstage.

Lanzar singles con regularidad también te da más oportunidades de conectar con tu público actual, así no pierdes impulso en las plataformas de streaming (que premian la consistencia).

Aquí tienes algunos tipos de singles que puedes lanzar, y cómo usarlos:

1. El single principal

Sí, acabamos de decirte que hay muchos OTROS tipos de singles, pero este sigue siendo el más importante. Acabas de terminar de grabar, mezclar y masterizar tu nuevo disco de larga duración, quizá incluso tu primer álbum. Elige una canción que te guste mucho del disco. Sí, las canciones son como tus hijos y no puedes tener una favorita, pero tú sabes que hay una canción en tu álbum que amas secretamente más que las demás (En la industria se le dice Focus Track). Escoge esa canción. Publícala sola con un buen diseño de portada, diferente al del álbum. Llega a tus seguidores potenciales con ese primer aperitivo y haz que tengan ganas de más.

2. El single de continuidad

Y aquí es donde les das ese algo más. El single de continuidad podría ser tu segunda canción favorita del disco (sabes que también tienes una) o una canción que suena algo diferente al primer single. Si tu single inicial ha sido un bombazo, quizá puedes escoger una canción más relajada y dinámica como segundo single. Esto muestra a los oyentes otra cara de tu arte. ¿A quién no le gusta algo de variedad en el catálogo de sus artistas favoritos? O también puedes lanzar un segundo bombazo y dejarlos sin habla.

Nota al margen: Si no tienes un álbum acabado del que escoger tu primer y segundo singles, puedes hacerlo a la inversa. Graba y publica singles cuando los termines, luego reúnelos como EP o LP.

3. La canción de estudio inédita

Digamos que diez canciones han llegado a la selección final de tu álbum. Eso no significa que no haya algún tema extra que no terminó de encajar en el conjunto. Elige tu canción favorita de las que no entraron en el álbum y publícala unos meses después de que haya salido el disco. Esto no solo te ayuda a mantener el impulso del lanzamiento, sino que es una manera de publicar nueva (para tus fans) música asociada a un lanzamiento que aún estás promocionando. La canción inédita ya estaba esperando, mezclada y quizá incluso masterizada, lista para salir. ¿Por qué no publicarla?

4. Remixes autorizados

Mas adelante hablaremos de cómo utilizar los “stems” de tus canciones. Pero aquí tienes la primera manera. Cuando agrupas las pistas instrumentales o vocales de tus canciones en stems, las haces más atractivas para los remixers. Y los remixes son una buena cosa. Una remezcla autorizada hecha por un buen DJ o artista electrónico puede dar a conocer tu perfil más allá de tu base de seguidores. Los artistas electrónicos tienen su propio grupo de seguidores a los que gustan las versiones creativas de canciones, incluso aquellas que no han oído nunca. Si disfrutan el remix que el artista publicó en sus redes, es muy posible que busquen el original en tu página y lo escuchen para compararlo. ¡Todo esto suma reproducciones!

¿Los remixes no son lo tuyo? Cualquier tipo de colaboración con otro compositor o artista te ayudará a llegar a nuevos públicos. Así que quizá puedes trabajar en algo con un artista invitado o incluso una canción con otro artista principal.

5. Mezclas acústicas

A los fans les encanta que sus artistas favoritos sean multifacéticos. Seguro que tú puedes grabar una versión alternativa de tu mejor single quitando todos los instrumentos electrónicos. Una mezcla acústica arroja nueva luz en áreas de tu composición y arreglos. Y si la música acústica no es lo tuyo, prueba otro tipo de toma alternativa. ¿Quizá basarte en bajo y batería para destacar la sección rítmica?

¿No tienes tiempo para grabar una versión alternativa? Reajusta las pistas de tu mezcla actual. Cambia los niveles. Silencia algunas cosas. Juega con lo que ya tienes y de repente tu sesión de grabación resultará en dos canciones diferentes, bien acabadas.

6. Demos y versiones en vivo

¿Quién no disfruta una canción que está aún un poco en borrador? A los verdaderos fans de la música les encanta el proceso creativo y el camino al producto final tanto como la versión definitiva. Lanza una versión demo de uno de tus sencillos ya publicados y enseña a tus oyentes un poco de lo que pasa tras el telón.

¿No estás del todo contento con esa versión tan básica? Pues lanza una versión en vivo. Las grabaciones en vivo llevan la espontaneidad del concierto a aquellos que están en casa. Solo ten en cuenta que sea una grabación decente. A nadie le interesa una mezcla confusa o en la que escuchas a la gente hablando sobre el sonido de la música.

7. Versiones

El alimento básico de todos los nuevos artistas no tiene que proceder solamente de su propio campo de cultivo. Incluso si eres un artista consagrado y escribes canciones por tu cuenta, las versiones son una gran forma de exhibir tus influencias. No solo muestran de dónde vienes, sino también hacia dónde vas. Graba una canción de un artista que te atrajo a la música en tus inicios y deja a la vista tus raíces.

O, mejor aún, haz una versión de un artista que sigues ahora y que está influyendo en tus próximos pasos. Esto da una pista sobre cómo podría sonar tu próximo grupo de canciones. Es como una caja de sorpresas para tus fans, a la cual volver cuando salgan tus nuevas canciones. ¡Mira hacia el futuro con estilo!

ASCAP VS. BMI: ¿Cuál es la más adecuada para ti?

Los músicos, compositores y compositores profesionales pueden licenciar su trabajo para que se les pague cuando otras personas o empresas usan su música. Hoy te ayudamos a conocer a las dos mejores compañías de licencias que existen, ASCAP vs. BMI.
Las organizaciones de derechos de interpretación existen para ayudar a los músicos a administrar las licencias y los derechos de su trabajo, para que obtengan las regalías a las que tienen derecho.
Dos de las más importantes de América del Norte son la Sociedad Estadounidense de Compositores, Autores y Editores (ASCAP) y Broadcast Music, Inc. (BMI).
Si eres músico y buscas licenciar tu trabajo, ¿cómo saber cuál elegir? Echemos un vistazo más de cerca a ASCAP y BMI para descubrir en qué se parecen, en qué se diferencian y cuál es la más adecuada para ti.

¿Qué hacen exactamente estas organizaciones?
Si estás escribiendo o creando música con la esperanza de ganar dinero, estas organizaciones son algo a considerar. Cada vez que tu música se reproduce en público, tiene derecho a regalías, sin embargo, no hay forma de que pueda realizar un seguimiento de esto por su cuenta. Ahí es donde entran en juego.
Estas organizaciones representan catálogos de música de cientos de miles de artistas que las empresas u otras personas pueden pagar por usar, ya sea que se reproduzca en el sistema de sonido en un café, una tienda a la calle o en la televisión, la radio o un concierto.
Lo que esta organizaciones no hacen es recolectar dinero por las canciones transmitidas en Spotify u otros servicios de transmisión de la distribución de música en línea. Estos servicios suelen emitir sus propios pagos. Dicho esto, la música que se reproduce en televisión y radio llega a una audiencia mucho más amplia, lo que genera muchas más regalías que una persona que escucha en su teléfono inteligente.
Si esperas ser un éxito comercial, unirse a cualquiera de estas organizaciones es un buen primer paso.

Las diferencias entre ASCAP y BMI
Hoy, BMI representa a más artistas y canciones que ASCAP, aunque las cifras de ASCAP siguen siendo extremadamente impresionantes. BMI tiene un millón de miembros y alrededor de 15 millones de canciones, mientras que ASCAP tiene alrededor de 735.000 miembros y 11,5 millones de canciones.
Los pagos de los dos son bastante similares. Ambos se toman mucho tiempo antes de pagar a los artistas por las canciones que tocan. ASCAP tarda cerca de siete meses después del trimestre en el que se tocó la canción para distribuir fondos.
ASCAP tiene un pago mínimo de $ 1 por depósito directo o $ 100 por cheque en papel. BMI tiene un depósito directo mínimo de $ 2 y un mínimo de $ 250 para un cheque en papel, aunque le envían un cheque por lo que se le debe al final del año calendario, si es más de $ 25.
ASCAP ofrece un contrato estándar de un año que se renueva automáticamente mientras que el contrato de BMI es por dos años. Tenga en cuenta que no puede registrar las mismas canciones con uno mientras tiene un contrato con otro. BMI es gratis, mientras que ASCAP cobra una tarifa única de $ 50.

¿Hay alguna ventaja en unirse a ASCAP o BMI?

Tanto ASCAP como BMI ofrecen ventajas a sus miembros. Los artistas que se unen a ASCAP obtienen acceso a la «I Create Music Expo» en Los Ángeles y varios espectáculos de premios. Ofrecen talleres para exhibir a sus artistas, así como una membresía a la US Alliance Federal Credit Union y una membresía con descuento para el Salón de la Fama de los Compositores.

Los artistas de ASCAP también obtienen descuentos en seguros de vida, de salud, de instrumentos y dentales, así como en servicios y productos relacionados con la música, hoteles e incluso alquiler de automóviles.

BMI ofrece muchos beneficios similares, incluido el acceso a talleres de composición de canciones, entregas de premios, así como descuentos en productos y servicios musicales, múltiples conferencias y una membresía del Salón de la Fama de los Compositores.

¿Cuál es mejor: ASCAP o BMI?

Es difícil decir cuál es el mejor entre ASCAP vs BMI. ¡Depende de lo que estés buscando!

Se puede argumentar que ASCAP es mejor porque brinda a sus artistas un poco más de información. Por ejemplo, te permiten ver sus hojas de referencia (que le dicen quién tocó sus canciones, para cuando llegue el momento de su pago).

También puedes exportar sus datos, incluidos gráficos y tablas que rastrean sus regalías y brindan información sobre qué canciones generaron la mayor cantidad de regalías. ASCAP también ofrece a sus artistas más oportunidades para actuar en vivo.

Por otro lado, también se puede argumentar que BMI es mejor. Algunos artistas afirman que BMI recopila datos más completos, lo que genera cheques de pago más grandes. También es importante señalar que BMI puede ser más útil para los artistas más nuevos, especialmente si son sus propios editores.

Algo que muchos artistas quieren saber es cuál paga mejor y, desafortunadamente, esa es una pregunta difícil de responder. Ten la seguridad de que tanto ASCAP como BMI son organizaciones sin fines de lucro legítimas que pagan a los artistas de acuerdo con los términos de su acuerdo.

Pero cuánto gana cada artista varía drásticamente. Lo mejor que puedes hacer es hablar con otros músicos que son miembros de ASCAP o BMI y ver cuáles son sus experiencias. Entonces decidir por ti mismo. Lo ideal es comparar dos artistas con el mismo número de reproducciones de canciones.

Por supuesto, mucho de esto depende de tu propia voluntad de salir con tu plan de marketing musical y aumentar tu base de fans, especialmente antes de firmar con un sello importante.

ASCAP vs. BMI en resumen

ASCAP y BMI son organizaciones legítimas que ayudan a los artistas a cobrar las regalías que les corresponden y trabajan de la misma manera. Estas dos organizaciones sin fines de lucro comenzaron como competidores y, de muchas maneras, todavía hoy compiten.

Además de rastrear cuántas veces se reproducen las canciones de los artistas y emitir pagos de regalías, tanto ASCAP como BMI ofrecen muchas ventajas que son muy útiles para los músicos independientes.

A decir verdad, no hay muchas diferencias entre los dos.

En BMI unirse es gratis, representa a más artistas y tiene un catálogo de contenido más grande.

ASCAP tiene una tarifa única de $ 50, pero ofrece a los artistas más oportunidades de tocar en eventos en vivo.

Ambos representan muchos nombres importantes, por lo que está en buena compañía sin importar cuál elija.

Si quieres asegurarte de que estás recibiendo todo el dinero que mereces por tu música, unirte a una organización como estas es clave. Pregunta y ve qué recomiendan otros artistas entre ASCAP y BMI antes de elegir el que sea adecuado para ti.

Fuente: Ledger Note

¿Qué es una organización de derechos de autor?

Como músico independiente, eres dueño de tus canciones y grabaciones. Es tu propiedad intelectual. Esto puede parecer obvio, pero vale la pena repetirlo: Tú, controlas los derechos de las canciones que escribes y las grabaciones que creas. Esa propiedad del copyright te da apoyo, protección y fuerza para ganar dinero a partir de tu catálogo de obras. Como compositor debes conocer los beneficios de tener el registro de derechos de autor de tus obras.

¿Qué es el copyright / qué son los derechos de autor?

El copyright es la propiedad intelectual de una obra perteneciente a una persona o un grupo.

El copyright garantiza ciertos derechos exclusivos al propietario o los propietarios, uno de las más importantes es el derecho de ganar dinero a partir de esa propiedad intelectual. Es la llamada “explotación” de tus derechos.

El copyright musical es lo que atribuye la propiedad de una canción o grabación determinada.

Si creas tú mismo una grabación, o si pagas por tiempo de estudio y honorarios de sesión, eres propietario de esa grabación fonográfica. Si trabajas con un sello es posible que dicho sello controle los derechos de la grabación, al menos durante un plazo fijado.

Si compones una canción, tú eres dueño de esa composición. Si escribes una canción junto a una o más personas, cada uno posee una parte de la canción. A ti y a tus colaboradores les conviene hacer un documento que determine el reparto (los porcentajes de la canción que corresponden a cada uno), y registrar los derechos derivados de esa composición.

Los dos tipos de derechos de autor

Los derechos de autor se generan en base a:

La composición – consiste en la música y la letra.
La grabación sonora – es una versión grabada concreta de esa música y esa letra.

Las composiciones normalmente pertenecen a los autores y/o editores. Las grabaciones normalmente son de los artistas o sellos discográficos.

¿Por qué me interesa registrar mis derechos?

En este punto te estarás preguntando “si ya poseo mis derechos, ¿por qué debería registrar mi obra?”

La razón principal es que en caso de que alguien infrinja tu copyright ya sea grabando una canción que escribiste o usando una grabación tuya sin permiso, tendrás mucha más fuerza a la hora de reclamar lo que te corresponde si tu obra está registrada oficialmente.

Una obra registrada tiene mucho más peso en una disputa. Y si decides poner una demanda por infracción de derechos de autor, un registro oficial te califica legalmente para reclamar y recibir una indemnización económica por parte de la parte infractora que incluirá los costos de abogados. Es sencillamente la mejor forma de probar que eres dueño de los derechos.

Estos derechos te permitirán cobrar diferentes tipos de regalías generadas por tus obras: regalías de ejecución, regalías mecánicas o automáticas, regalías derivadas de las licencias de sincronización.

Cada país tiene su propia autoridad y procesos para hacer el registro de tus obras. Si aún no has registrado tus proyectos, revisa la autoridad encargada en tu país.

Consejos para registrarte como compositor

Alex Badanes de Songtrust escribió un artículo llamado “Los tres contratos de edición más comunes –¡Conoce tus opciones!”, que proporciona un buen resumen sobre el tema. En el artículo, dice:

El momento en que decides que una canción en la que has estado trabajando durante semanas está finalmente acabada, tú posees el copyright y el 100% de tus derechos editoriales. Este 100% se divide en dos secciones importantes: la parte del editor (50%) y la del autor (50%). A menos que firmes un contrato de trabajo por cuenta ajena (mira más abajo), nunca perderás la propiedad de tu parte como autor.

A continuación pasa a describir las 3 principales clases de contrato de edición que puedes encontrarte al relacionarte con la industria musical actual. Estos son:

Contrato de Administración

En un contrato de administración, el compositor conserva el 100% de la propiedad de los derechos de autor y cede solo un 5-20% de la parte del editor durante un plazo normalmente de 1 a 3 años. Los acuerdos de administración no suelen incluir servicios creativos y se centran solo en registro de la propiedad de tus canciones en sociedades de recaudación de derechos en todo el mundo, además de recolectar las regalías en tu nombre.

Backstage Musica facilita exactamente este servicio. Es una muy buena manera de empezar a recaudar tus regalías editoriales en todo el mundo sin verte comprometido en un contrato editorial a largo plazo.

El siguiente tipo de contrato más común es…

Contratos de co-edición

Un contrato de co-edición es el tipo de acuerdo más común hoy día para los compositores importantes. Como autor, normalmente cedes el 50% de la parte de editorial (de ahí lo de “co-edición”) al editor con el que firmas el acuerdo. Al hacer esto, conservas el 100% de la parte de derechos de autor y el 50% de los de edición, lo que hace el 75% por cien el total de tus regalías editoriales. En este acuerdo, dado que el editor obtiene una propiedad parcial de las obras, está mucho más incentivado para explotar las canciones y generar regalías. Las maneras en que tus canciones pueden explotarse es principalmente a través de sincronizaciones en televisión y películas, además de que puedan ser grabadas y publicadas por artistas importantes: este es el tipo de cosas que los equipos creativos de cualquier editora musical harán activamente para ti. Muchas compañías de edición musical te ofrecerán generosos incentivos para persuadirte de que firmes con ellos. Recuerda, de todas formas, que estos incentivos necesitarán ser recuperados en su totalidad una vez que tus canciones empiecen a generar ingresos.

Y el último tipo frecuente de contrato de publicación de música es…

Trabajar para otros / Work for hire

En un contrato de trabajo por cuenta ajena, por una cantidad fijada, tu cedes todos los derechos de propiedad y administración de tus obras durante la vigencia del copyright. Estos acuerdos son más frecuentes en películas y publicidad, cuando el estudio cinematográfico o la empresa de producción desea poseer y controlar todos los aspectos de la producción

Para saber cómo registrarte como compositor en una sociedad de autores y compositores, los requisitos necesarios para registrarte como compositor, y cómo registrar tus canciones para poder validar tus derechos de autor, te remitimos a algunas de las principales sociedades que se dedican a ello:

EE.UU.

México

Argentina

España

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