5 verdades sobre el algoritmo de descubrimiento de Youtube

YouTube Music ha alcanzado los 50 millones de suscriptores, los últimos 20 millones en menos de un año; estas suscripciones incluyen tanto las suscripciones directas a YouTube Music como las suscripciones a YouTube Premium.

Lograr que los usuarios descubran tu contenido es la parte esencial para construir tu audiencia, y aunque muchas plataformas son bastante escuetas sobre cómo funcionan sus algoritmos de descubrimiento, YouTube tiene algunas respuestas sobre cómo dirigir a los fans potenciales a tus videos.

La gran pregunta que probablemente te haces con YouTube y otras redes sociales es: «¿Cómo descubren los usuarios mi contenido?» Obviamente, esto es esencial para construir tu audiencia y mantener satisfecha a tu audiencia existente. Ninguna de las redes sociales proporciona detalles profundos sobre sus algoritmos de recomendación, pero al menos varias brindan algunas respuestas a preguntas comunes. Afortunadamente, YouTube es más comunicativo con esta información que otras plataformas, y recientemente publicó un video sobre las 5 preguntas más comunes que recibe sobre su algoritmo de descubrimiento.

Aquí hay una breve sinopsis de las preguntas y respuestas.

1 ¿Compartir tus videos fuera de YouTube ayuda al descubrimiento en la plataforma?

Algunos usuarios temen que compartir un video de YouTube en otras plataformas sociales pueda disminuir el descubrimiento de su video porque los espectadores no están mirando en la plataforma, pero ese no parece ser el caso. Según Youtube, «Si tus videos obtienen más tráfico de fuentes externas, como las redes sociales, es probable que aumente tu potencial para ser descubierto por más espectadores. Otro beneficio es que esos espectadores ahora tienen ese video en su historial de reproducciones, por lo que existe una mayor probabilidad de que se les recomiende uno de tus otros videos en el futuro «.

Entonces, la respuesta es que realmente ayuda, así que compártelo.

2 ¿Por qué la gente recibe recomendaciones de videos que pueden tener 10 o 12 años en lugar de nuevos contenidos?

Básicamente, a YouTube no le importa tanto la antigüedad del video como el tipo de contenido que ofrece. Eso significa que si estás buscando algo sobre un tema, artista o género musical específico, y un video más antiguo puede brindarte lo que necesitas, lo verás como una recomendación. Esto es muy diferente de otras plataformas, que enfatizan las publicaciones nuevas sobre las antiguas.

También ilustra el punto de tener un catálogo grande, porque nunca se sabe cuándo un video de hace varios años que no estaba resonando con su audiencia podría volverse viral repentinamente.

3 ¿Hay alguna forma de que YouTube destaque a los nuevos creadores?

YouTube es consciente de esto y recientemente lanzó su pestaña «Nuevo para ti» que muestra más canales fuera de la experiencia habitual del espectador. Esto permitirá al espectador explorar una lista de videos que normalmente no aparecerían como una recomendación, pero que aún podrían ser relevantes para el usuario.

4 ¿Qué importancia tienen las etiquetas para el descubrimiento de videos?

Las etiquetas son una forma importante de describir tu video, pero no son un contribuyente importante al algoritmo de descubrimiento de YouTube.  «Las etiquetas son palabras claves descriptivas que se pueden agregar a tu video para ayudar a los espectadores a encontrar tu contenido. El título, la miniatura y la descripción de tu video son la piezas de metadatos más importantes para el descubrimiento de tu contenido. Estos datos principales ayudan a los espectadores a decidir qué videos mirar».

Lo que eso significa es que es mejor que dediques más tiempo a perfeccionar el título, la descripción y la miniatura del video que a tratar de encontrar las etiquetas perfectas.

5 ¿YouTube cambió recientemente su algoritmo?

Todas las plataformas modifican constantemente sus algoritmos, pero por lo general no hay un cambio importante que no se anuncie. La razón por la que las personas ven cambios en los datos de los usuarios se debe más a la época del año que a cualquier otra cosa. Parece que todos los años en otoño los hábitos de visualización cambian a medida que las escuelas vuelven a sus sesiones. Como resultado, la visualización se cambia los fines de semana en lugar de los los días de semana.

Puedes obtener mucha más información sobre YouTube directamente de su equipo de tecnología en el canal Creator Insider.

Consejos de visibilidad para impulsar tu carrera musical

Estos consejos de visibilidad están especialmente pensados para artistas que gestionan sus proyectos musicales de manera independiente.

Generalmente las grandes discográficas buscan la visibilidad de sus artistas por la vía rápida,  pero un independiente de la música lo debe hacer a través de «conexiones verdaderas» y esto solo se consigue en las redes y entornos digitales cuidando mucho tres pilares para que todo funcione correctamente: el copy, el tráfico y el producto.

A partir de aquí, déjame darte consejos para mejorar tu visibilidad y conectarte con más público:

1 | Crea contenidos personales donde se transmita tu esencia
Aparentemente es fácil pero pocos lo hacen bien, y al final no es más que transmitir a través de un video o imagen la esencia del artista.

Hoy sirve mucho más un video donde cantes de manera «básica y cercana» que un videoclip con una producción más «elaborada».

Esto es porque un videoclip para que tenga impacto debe tener una calidad superior y para esto deberás invertir una gran cantidad de dinero.

Además, el público prefiere en la industria independiente los videos «amigables» porque transmiten más.

2 | Cuéntalo con una micro historia

El copy es el arte de persuadir con lo que escribes. Es una de las «ventanas» más potentes para llamar la atención y posiblemente no lo estés aprovechando.
Ahí, escribe desde el sentimiento y si puedes, hazlo a través de micro historias.

De esta manera, aumentarás el tráfico hacia el video (si es lo que publicas junto al texto), el engagement y crearás conexiones más verdaderas.

Aquí algunos consejos sencillos:

  • Ponle título a la historia que suscite curiosidad, interés por seguir leyendo…y ponlo en mayúsculas.
  • La historia debe tener un comienzo llamativo, desenlace y un final que conecte con el mensaje que quieres dar.
  • Los emojis aumentan la «atención» pero debes usarlo con coherencia sin abusar.
  • Pon siempre una media de 6 hashtags (en Instagram) que de alguna manera tenga vínculo con el post.
  • Contesta a los comentarios siempre que puedas.
  • Ahora que en Instagram desaparecen los «likes», la generación de contenidos y la capacidad para generar conversación serán vitales para crecer.

3 | Muévete en estos dos tipos de contenidos
Es bien sencillo:

  • Contenidos fluidos – Son contenidos naturales, no forzados de tu día a día y qué consideras merecen la pena compartir. Estos contenidos generan mucha empatía con la comunidad.
  • Contenidos producidos – Son contenidos forzados pensados para abrir mercado. Un buen video en acústico por ejemplo, es un contenido que tiene como objetivo emocionar o reflexionar y que por supuesto se comparta.

4 | Depender de lo «orgánico» es alargar los procesos
Si quieres acelerar tus resultados con la visibilidad, deberás invertir en campañas segmentadas que apunten a tu público objetivo. Si quieres dejarlo todo en manos de lo orgánico, será sumamente complicado obtener un crecimiento constante y destacado porque muy pocos de los seguidores que tienes verán tus publicaciones.

Tanto Facebook como Instagram no deja de ser una empresa privada cuyo objetivo es obtener ingresos según lo marcado en sus presupuestos anuales y de momento no hay mejor elección.

Lo positivo es que con campañas segmentadas en estas redes sociales, podrás llegar a tu público de manera fácil y medir los resultados.

5 | Diversifica y sorprende

Son dos claves para atraer público a tu comunidad.
Diversifica en cuanto a los contenidos. No todo pueden ser fotos o videos de la misma fuente. Puedes grabar encuentros con tus fans, videos donde los propios seguidores te entrevisten, videos con otros artistas interpretando una canción, etc.

Hay muchas opciones y te enfrentas a un público altamente exigente que sabe que tiene el poder de elección. A partir de aquí, no te lo plantees, sino pasa a la acción con aquello que se te ocurra y dependiendo de los resultados, tira o no del hilo.

La visibilidad es la puerta de la oportunidad y hoy, no solo con buenas canciones se consiguen resultados.

He conocido muchos proyectos buenos, talentosos….que por no trabajar la visibilidad, quedaron en el olvido.

Esto va de conexiones y de hechos….no de palabras.

5 Elementos para crecer en la música

Aquí tienes los 5 elementos sobre los que tendrías que dedicar el 80% del tiempo que inviertes al proyecto musical.
El problema radica en que precisamente ese 80% del tiempo se diluye en las multitareas a la que te enfrentas para gestionar tu día a día.

1 | LA CANCIÓN
Sin duda, un artista o banda musical no puede perder este horizonte. La canción es la base de todo y sin buenas obras musicales, jamás podrás posicionarte en el mercado.

Un mercado altamente competitivo.

Para ello, no dejes de investigar en el tema, de codearte con otros compositores mejores que tú, de optimizar lo que ya has hecho, de potenciar la inspiración viajando, leyendo y escuchando música del mundo.

La gran mayoría de los grandes compositores que conozco, se han formado de múltiples maneras para poder llegar a crear canciones que conecten y que ofrezcan opciones.

 

2 | LA MARCA ARTÍSTICA
Ahora se habla mucho de esto pero de toda la vida ha existido y ha sido vital para poder vivir y crecer en la música.

Trabajar la marca no es más que identificar el ADN de la personalidad del proyecto para visualizar que huella queremos y pretendemos dejar en los demás.

Dentro de este punto es determinante identificar donde tú como artista brillas más y sobre todo, cuál es tu principal valor diferencial.

¿Es la imagen? ¿es el estilo musical? ¿es tu discurso?

 

3 | LOS CONTENIDOS
Es el vehículo para que tu música conecte con el público ideal al que te quieres dirigir.

Hoy, para hacer carrera en la música es vital que tengas capacidad, en base a la esencia de tu proyecto (la marca), para generar contenidos que conecten y aporten al público.

Selecciona qué soportes de acción vas a utilizar (Facebook, Tik Tok, Youtube, Instagram…) y qué tipo de formatos son los que mejor conectan contigo y con tu público.

 

4 | LAS ALIANZAS
Esto es más importante de lo que te imaginas para crecer en la música.

Todos los grandes artistas con los que he tenido ocasión de compartir y trabajar hacen especial hincapié en este punto.

Alíate con otros colegas que aporten lo que no tienes.

Una buena alianza es aquella en la que ambas partes ganan.

Pueden crear una alianza para:

  • Componer una canción
  • Interpretar una canción
  • Crear un evento presencial
  • Hacer un directo en Instagram

Piensa siempre si esa alianza que pretendes llevar a cabo hará de alguna manera que tu proyecto avance.

 

5 | EL SACRIFICIO
Este no te lo esperabas pero es determinante como los demás.

Te decía que hoy para vivir de la música hay que trabajar duro.

Nadie te va a reglar nada y te vas a encontrar muchos obstáculos en le camino. Por ello deberás tener capacidad de sacrificio.

La voluntad es como un espacio en nuestra mente que se va agotando y recomponiendo pero es el aliado perfecto para poder sobreponerte en momentos de turbulencias.

Esta fuerza de voluntad se trabaja por una parte teniendo objetivos a corto plazo que te ilusionen y eleven la autoestima y por otra reforzando tu mentalidad afianzando en tu día a día hábitos que te lleven a una vida equilibrada en todos los sentidos.

Ahora toca reflexionar si realmente estás poniendo el foco en lo que realmente puede hacer que tu proyecto musical evolucione.

Fuente: Dani Aragon

3 Claves para tu Marca Artística

La marca artística se convierte en elemento de primera necesidad en la industria musical
La coherencia visual es sumamente importante a la hora de difundir tu proyecto musical. Muchos músicos y compositores brillantes no han sabido proyectar, exponer y vender su proyecto musical desde la coherencia visual.
¡Al final todo comunica!
A continuación, te voy a mostrar 3 tips que pueden ayudarte como artista independiente a potenciar el alma de tu proyecto musical y así poder construir tu marca artística desde lo visual.

A. ¡Conoce tu marca artística!
Primero de todo, ¡conócete!
Saber cuál es el discurso de tu proyecto musical es indispensable para crear una guía de estilo gráfico.
Por ejemplo, si tu discurso y las letras de tus canciones hablan de temas sociales, obviamente eso se va a ver reflejado en las imágenes que publiques en tus redes sociales.
También es importante tener presente tu estilo musical. Por ejemplo, si tu estilo es jazz, funk, rock, música urbana o reggaeton…
Tus imágenes tendrán códigos visuales que recuerden y beban gráficamente de estos estilos musicales.
Muchas veces esta primera fase es la que más cuesta desarrollar ya que implica un autoconocimiento de ti como artista y de tu proyecto musical.
“Al principio, la gente no compra música. Compra percepciones visuales, compra imágenes, compra marcas artísticas”

B. ¡Elementos gráficos!
¿… Te has puesto a pensar que podrías utilizar una gama cromática?
¿… O quizás utilizar un tipo de letra siempre?
¿… Has pensado lo que comunican las fotografías que publicas?
¿… O te has puesto a pensar, alguna vez en crear tu logotipo?

Para muchos artistas independientes esta parte no es la más fácil. Cuanto más te conozcas a ti mismo, y quién eres cómo marca, más fácil te será, visualizarte.
El diseño y la dirección artística no solo se centran en la portada del disco o single, sino en la imagen global que quieres transmitir tú, como artista independiente. El diseño gráfico se convierte así en un vehículo para llegar a tu público.
Como artista independiente tienes unos valores, un estilo musical, un público objetivo al que pretendes llegar, una personalidad que transmitir, etc.
A medida que evolucionas y creces como artista es importante ir creándote todos estos elementos gráficos que te voy a nombrar a continuación.
Los dos primeros que te voy a nombrar son los que tienen menos probabilidades de cambiar en tu carrera como artista.

  1.  El nombre del artista o banda, músico/a, productor/a, o Dj
    Lo más importante es asegurarse de que sea un nombre que nunca necesitará cambiarse por ningún motivo por que puede ser una molestia tenerlo que cambiar una vez que te hayas dado a conocer públicamente con este nombre. El segundo y no menos importante,
  2. El logotipo
    Debe visualmente y estéticamente combinar con tu marca y con tu discurso.
  3. El estilo gráfico
    Piensa qué estilo gráfico o línea gráfica te gustaría tener… busca referentes.
    Esto te ayudará a visualizarte en tu página web, el arte para la portada de nuevo single o el póster o flyer de tu próximo concierto. Busca referencias profesionales.
    Esto sí que es algo que puede cambiar dependiendo de los proyectos musicales que vayas creando.
  4. Los colores
    Diferentes colores pueden transmitir diferentes significados.
    Puedes elegir los colores que quieras, pero ayuda si los colores tienen buena sinergia y reflejan el estado de ánimo y tono de tu marca artística. Estos pueden cambiar dependiendo de las diferentes campañas, o lanzamientos de singles, por ejemplo.
  5. La tipografía
    ¡Las tipografías transmiten! No te olvides de esto. Si no estás seguro qué tipografía escoger, te aconsejo que vayas a lo más sencillo. Algo que se lea y entienda bien.
    Porque en este caso, ¡Menos es más!
  6. El presskit
    Este es un documento digital importante que en algún momento de tu carrera querrás tener bien diseñado.
    En el presskit está toda la información básica de tu proyecto musical que enviarás para prensa, medios, bloggers, promotores, festivales, gestores musicales… y que aparecerá en tu página web, también.
    Allí aparecerá también una pequeña bio tuya y de tu proyecto y la campaña de tu lanzamiento musical como apariciones en prensa.
  7. Las portadas de Singles
    Es uno de los artes más demandados, los artistas independientes lanzan sus canciones cada 3 meses, las agregadoras digitales piden que difundas tu canción y subas el diseño de la portada, es ahí donde puedes generar contenido gráfico antes del lanzamiento, durante y después.
  8. Fotos
    Tan pronto como puedas, invierte en un fotógrafo profesional para tener una alta calidad de fotos de ti o de tu banda. Utiliza estas imágenes para tu biografía, página web y redes sociales.
    Si eres afortunado y tienes una amigo fotógrafo, explícale qué es lo que necesitas comunicar en tus fotos.
    Es importante que tengas fotografías de primer plano, tipo retrato para la biografía, otras en horizontal para fotos de portada en facebook o spotify y otras más artísticas para las portadas de tus lanzamientos.
  9. Los vídeos de ti
    Tanto si son vídeos caseros, como si estás hablando a cámara haciendo un directo o si es un videoclip de tu última canción, debes cuidar siempre tu imagen como artista, tu marca artística.
    Los elementos visuales que haya en ese vídeo, los fondos, la ubicación escogida, la estética que utilices, la vestimenta, los colores, tu gestualidad, tu tono, todo debe ser homogéneo con tu marca.
    El videoclip que hagas debe explicar el concepto de tu canción y la dirección artística debería estar bien cuidada “Un buen diseño debería describirte a ti visualmente, describir tu alma artística, ¡Y lo más importante! Debería describir tu música.”

C. Puesta en escena
Uno de los activos visuales más importantes que tienes es qué tan bien sepas conectarte con tu público en la puesta en escena. Y en eso tiene mucho que ver tu personalidad.
La puesta en escena y la presencia que tienes encima del escenario es muy importante y refleja tu alma artística y tu esencia.
Saber en qué eres bueno y cómo conectas con tu audiencia y qué es lo que tu público le gusta. La observación también es importante, para saber en qué mejorar.
En lo que puedas, grábate tus presentaciones en vivo para verlas más tarde. Además, mírate los conciertos en vivo de otros artistas y estúdialos.
Si eres un/a artista independiente, piensa en la imagen que quieres trasmitir. ¡Créate referentes!
Forma parte del trabajo crear un estilo agradable y memorable. Muchos géneros de música tienen un código de vestimenta específico y es muy común alinearte en esos códigos.
Hoy en día, tú como artista independiente, manager, productor/a, Dj… te enfrentas a una serie de retos, entre los cuales está la creación y comunicación visual de tu marca.
Al final, es crear una percepción consistente sobre quién eres como artista y crearte un plan estratégico de objetivos.
Tu proyecto musical se merece que transmita profesionalidad y coherencia. Si tienes en cuenta estos 3 tips de coherencia visual en tu marca artística, vas a proyectar confianza a tu audiencia y de este modo obtendrás fieles seguidores.

[Este post ha sido aportado por Amaia Hernández; licenciada en Bellas Artes, tiene un Máster en Dirección Artística en Publicidad. Especializado en Creación de Marca y además, es cantante y compositora]

Consejos de Promoción Musical en TikTok

Muchos artistas, incluidos creadores de rápido crecimiento y artistas establecidos por igual, han disfrutado de un éxito comercial sustancial como resultado de las tendencias virales de TikTok. Pero, ¿cuál es el secreto para hacer crecer tu música en TikTok?

A continuación tienes una serie de recomendaciones para potenciar tu música, tu marketing musical y promoción musical en la red social del momento.

Define el clip de sonido
Definir el clip de sonido, el segmento de 15 a 60 segundos que se reproduce cuando los creadores seleccionan una canción, es fundamental.

La mayoría de los videos de TikTok tienen una duración de 10 a 15 segundos (y cuentan con 10 a 15 segundos de música), pero los distribuidores generalmente establecen los clips de sonido de las canciones como sus primeros 15, 30 o 60 segundos de forma predeterminada.

Este es el principal impedimento para los logros promocionales en el servicio, ya que el clip de sonido debe mostrar los 15 segundos más pegadizos de la canción en cuestión.

Puedes personalizar tus fragmentos de TikTok a través de tu distribuidor digital de música o subiendo manualmente un video.

Conviértete en un creador activo de TikTok
Para los músicos, estar personalmente activo en TikTok es un componente importante para construir relaciones significativas con los usuarios y fans de la música.

La creación regular de contenido te permitirá determinar qué funciona en los videos, y los tipos de contenido que más gustan a los usuarios, al tiempo que refuerzas a tus seguidores. Además, comentar videos virales con tu música es una forma rápida y atractiva de atraer seguidores adicionales. Los seguidores, a su vez, pueden ayudarte a lanzar campañas y aprovechar las oportunidades relacionadas con las tendencias.

Procura disfrutar el contenido como fan
Disfrutar con frecuencia de los videos de otros usuarios de TikTok, con énfasis en aprender de sus características técnicas, también es un hábito que vale la pena.

Luego, puedes aplicar ingeniería inversa de manera efectiva a los videos y las estrategias de las principales voces de TikTok de la actualidad.

Video sencillos que sean fáciles (y divertidos) de reproducir
La implementación de conceptos de video sencillos es otro ingrediente clave en la receta para el éxito de la promoción musical en TikTok. Por razones obvias, las tendencias accesibles llegan a un mayor número de seguidores que los conceptos de nicho. Los conceptos que son divertidos y fáciles de reproducir facilitan la difusión de su canción.

Comparte las mejores interpretaciones (UGC)
Compartir las mejores interpretaciones de los fans de tus videos de TikTok de alto rendimiento en todas las redes sociales es una excelente manera de amplificar la efectividad promocional. Muchos de los espectadores resultantes crearán sus propios clips con tu música, lo que ayudará a mantener la tendencia y el interés de los fans.

Comprender y adaptarse al algoritmo de TikTok
Comprender y adaptarse a los conceptos básicos del algoritmo de TikTok es imprescindible. En resumen, la parte de usuarios que ven un video de principio a fin, y mejor aún, varias veces, es más significativa que los me gusta, los comentarios y los compartidos.

Es la tasa de finalización que TikTok analiza al decidir si incluir clips emergentes en las páginas Para ti de los usuarios. En consecuencia, el contenido intrínsecamente interesante está posicionado para tener éxito desde el principio.

Practica e identifica lo que funciona mejor para ti y tus seguidores
Mientras promocionas tu música en TikTok, es importante tener en cuenta que hay más de 800 millones de usuarios y muchos millones y millones de videos.

Dado este inmenso volumen de usuarios y contenido, llevar las tendencias a nuevas alturas es, en muchos sentidos, un proceso largo. La práctica, incluida la determinación de lo que funciona mejor para ti y tus seguidores, es por lo tanto muy importante y vital para tu éxito.

Ejecuta una campaña promocional de TikTok a través de agencia
Por último, ejecutar una campaña promocional de TikTok a través de una agencia es una excelente manera de ayudar a que tu música explote en la aplicación. Las agencias especializadas en TikTok Marketing pueden contar con decenas, cientos e incluso miles de influencers y microinfluencer a los que se les hace una propuesta de pago para formar parte en una campaña determinada a fin de crear contenido que impulse el descubrimiento de tu música o marca.
No es ningún secreto que las discográficas suelen recurrir a este tipo de estrategias de marketing para difundir canciones, música, artistas, etc.

Singles: ¿Cómo, cuándo y por qué lanzarlos?

Lanzar singles con frecuencia puede ser más fácil de lo que crees.
Vivimos en la era de los singles. A medida que el streaming de música ha crecido en popularidad en la última década, lo ha hecho junto al formato del single. Aunque un álbum de larga duración muestra que vas creciendo en serio con tu música, lanzar singles es una herramienta indispensable para cualquier artista.
Los singles son especialmente útiles para nuevos artistas, cuyos seguidores potenciales deben escoger entre un menú completo de un álbum de 45 minutos o un aperitivo de tres minutos. Cuando solo quieren descubrir cuál es tu onda, escogerán la opción de un bocado de muestra, me explico?
Pero hay muchas más formas de lanzar un single que solo ofrecer un adelanto de un nuevo disco. Y también hay más motivos para publicar singles. ¿El mayor de ellos? Las plataformas de streaming recompensan a los artistas que lanzan música nueva regularmente.
No esperes un año o dos entre lanzamientos. Cuanto más frecuentemente lances música nueva, más posibilidades de llegar a una playlist editorial en una plataforma como Spotify, así como playlists dentro de Backstage.
Lanzar singles con regularidad también te da más oportunidades de conectar con tu público actual, así no pierdes impulso en las plataformas de streaming (que premian la consistencia).
Aquí tienes algunos tipos de singles que puedes lanzar, y cómo usarlos:
1. El single principal
Sí, acabamos de decirte que hay muchos OTROS tipos de singles, pero este sigue siendo el más importante. Acabas de terminar de grabar, mezclar y masterizar tu nuevo disco de larga duración, quizá incluso tu primer álbum. Elige una canción que te guste mucho del disco. Sí, las canciones son como tus hijos y no puedes tener una favorita, pero tú sabes que hay una canción en tu álbum que amas secretamente más que las demás (En la industria se le dice Focus Track). Escoge esa canción. Publícala sola con un buen diseño de portada, diferente al del álbum. Llega a tus seguidores potenciales con ese primer aperitivo y haz que tengan ganas de más.
2. El single de continuidad
Y aquí es donde les das ese algo más. El single de continuidad podría ser tu segunda canción favorita del disco (sabes que también tienes una) o una canción que suena algo diferente al primer single. Si tu single inicial ha sido un bombazo, quizá puedes escoger una canción más relajada y dinámica como segundo single. Esto muestra a los oyentes otra cara de tu arte. ¿A quién no le gusta algo de variedad en el catálogo de sus artistas favoritos? O también puedes lanzar un segundo bombazo y dejarlos sin habla.
Nota al margen: Si no tienes un álbum acabado del que escoger tu primer y segundo singles, puedes hacerlo a la inversa. Graba y publica singles cuando los termines, luego reúnelos como EP o LP.
3. La canción de estudio inédita
Digamos que diez canciones han llegado a la selección final de tu álbum. Eso no significa que no haya algún tema extra que no terminó de encajar en el conjunto. Elige tu canción favorita de las que no entraron en el álbum y publícala unos meses después de que haya salido el disco. Esto no solo te ayuda a mantener el impulso del lanzamiento, sino que es una manera de publicar nueva (para tus fans) música asociada a un lanzamiento que aún estás promocionando. La canción inédita ya estaba esperando, mezclada y quizá incluso masterizada, lista para salir. ¿Por qué no publicarla?
4. Remixes autorizados
Mas adelante hablaremos de cómo utilizar los “stems” de tus canciones. Pero aquí tienes la primera manera. Cuando agrupas las pistas instrumentales o vocales de tus canciones en stems, las haces más atractivas para los remixers. Y los remixes son una buena cosa. Una remezcla autorizada hecha por un buen DJ o artista electrónico puede dar a conocer tu perfil más allá de tu base de seguidores. Los artistas electrónicos tienen su propio grupo de seguidores a los que gustan las versiones creativas de canciones, incluso aquellas que no han oído nunca. Si disfrutan el remix que el artista publicó en sus redes, es muy posible que busquen el original en tu página y lo escuchen para compararlo. ¡Todo esto suma reproducciones!
¿Los remixes no son lo tuyo? Cualquier tipo de colaboración con otro compositor o artista te ayudará a llegar a nuevos públicos. Así que quizá puedes trabajar en algo con un artista invitado o incluso una canción con otro artista principal.
5. Mezclas acústicas
A los fans les encanta que sus artistas favoritos sean multifacéticos. Seguro que tú puedes grabar una versión alternativa de tu mejor single quitando todos los instrumentos electrónicos. Una mezcla acústica arroja nueva luz en áreas de tu composición y arreglos. Y si la música acústica no es lo tuyo, prueba otro tipo de toma alternativa. ¿Quizá basarte en bajo y batería para destacar la sección rítmica?
¿No tienes tiempo para grabar una versión alternativa? Reajusta las pistas de tu mezcla actual. Cambia los niveles. Silencia algunas cosas. Juega con lo que ya tienes y de repente tu sesión de grabación resultará en dos canciones diferentes, bien acabadas.
6. Demos y versiones en vivo
¿Quién no disfruta una canción que está aún un poco en borrador? A los verdaderos fans de la música les encanta el proceso creativo y el camino al producto final tanto como la versión definitiva. Lanza una versión demo de uno de tus sencillos ya publicados y enseña a tus oyentes un poco de lo que pasa tras el telón.
¿No estás del todo contento con esa versión tan básica? Pues lanza una versión en vivo. Las grabaciones en vivo llevan la espontaneidad del concierto a aquellos que están en casa. Solo ten en cuenta que sea una grabación decente. A nadie le interesa una mezcla confusa o en la que escuchas a la gente hablando sobre el sonido de la música.
7. Versiones
El alimento básico de todos los nuevos artistas no tiene que proceder solamente de su propio campo de cultivo. Incluso si eres un artista consagrado y escribes canciones por tu cuenta, las versiones son una gran forma de exhibir tus influencias. No solo muestran de dónde vienes, sino también hacia dónde vas. Graba una canción de un artista que te atrajo a la música en tus inicios y deja a la vista tus raíces.
O, mejor aún, haz una versión de un artista que sigues ahora y que está influyendo en tus próximos pasos. Esto da una pista sobre cómo podría sonar tu próximo grupo de canciones. Es como una caja de sorpresas para tus fans, a la cual volver cuando salgan tus nuevas canciones. ¡Mira hacia el futuro con estilo!

Streaming Artificial

La reproducción artificial es un problema importante para la industria de la música y disminuye las ganancias de los artistas, sellos y distribuidores legítimos.
Un número cada vez mayor de distribuidores digitales detectan la reproducción artificial en sus plataformas y, en consecuencia, eliminan las reproducción de los informes y el pago de regalías. El problema se ha vuelto tan importante que, en ciertos casos, los distribuidores digitales han bloqueado catálogos completos de miembros de sus servicios.
En Backstage tenemos procesos y equipos para abordar la reproducción artificial. Sin embargo, dada la importancia de este problema es necesario que los artistas y sellos se informen y tomen medidas pro activas para abordarlo, Backstage está compartiendo orientación sobre las medidas que los clientes pueden tomar para ayudar a evitar que este tipo de actividad afecte su repertorio. Backstage se toma este problema muy en serio y, por supuesto, cualquier actividad que infla artificialmente los recuentos de uso está prohibida por el Acuerdo de Distribuición de Backstage.

A veces, el fraude de transmisión no se debe a que un artista sea malintencionado, sino a la compra de una campaña de marketing sospechosa. Si planeas realizar campañas promocionales para tu música, investiga y trabaja solo con empresas de renombre. Hay muchas de las llamadas empresas de marketing que parecen legítimas, pero en realidad usan bots y otros métodos turbios para aumentar artificialmente las reproducciones. Esto casi siempre termina mal.

Para iniciar ¿Qué es el streaming artificial?

Es cualquier actividad que infla artificialmente el conteo de las reproducciones, y como consecuencia no se refleja las reproducciones genuinas del usuario.

Los streamers artificiales pueden:

  1. Obtener acceso a plataformas de clientes creando cuentas de usuario falsas o pirateando cuentas de usuario existentes;
  2. Presentarse como empresas de marketing o de Playlists que prometen un aumento de las reproducciones o la colocación de Playlists, pero lo hacen por medios ilegítimos;
  3. Manipular servicios utilizando procesos automatizados como bots o scripts; y / o
  4. Entregar repertorio específicamente con el propósito de inflar artificialmente los recuentos de uso, por ejemplo, pistas de artistas falsos o los mismos archivos de audio entregados en múltiples lanzamientos (el llamado «audio reciclado»).

La proliferación de servicios de listas de reproducción y marketing musical falsos

Recientemente, Spotify eliminó una gran cantidad de música de su servicio debido a presuntas «reproducciones artificiales». Estas bajas fueron independientes del servicio de distribución y afectaron la música de todos los distribuidores.

A continuación, te mostramos una situación común:

  1. Una Playlist, servicio de marketing, publicista, agencia de publicidad, etc., le dice a un artista «por $ 300, lo ayudaremos a obtener mas reproducciones». Estos servicios a menudo parecen legítimos, aparentemente con buena reputación.
  2. El artista envía dinero al servicio mencionado.
  3. El servicio (o Playlist) luego emplea bots (oyentes falsos) para aumentar la cantidad de transmisiones a la pista o lista de reproducción.
  4. El artista piensa «¡vaya, funcionó!» y envía más dinero.

Desafortunadamente, este tipo de cosas se está volviendo más popular y ha atrapado a muchos artistas inteligentes, talentosos y bien intencionados que no tenían idea de que estos servicios de marketing no eran buenos.
Cada mes, Spotify y otros servicios de transmisión detectan listas de reproducción y servicios de marketing fraudulentos, eliminan las pistas asociadas y envían por correo electrónico una lista de las pistas afectadas a los distribuidores (para que su distribuidor pueda notificarle).
Si has recibido un aviso por correo electrónico, es posible que tu (o alguien de tu equipo, o un amigo o fan) haya utilizado uno de estos servicios de marketing falsos. También es probable que no supieras que el servicio de marketing (o la lista de reproducción) estaba generando transmisiones fraudulentas. Lo cual es una situación súper fastidiosa (para ti y para tu distribuidor).
Backstage lucha por los artistas, y creemos que si fue un error honesto, Spotify debería darles otra oportunidad a los artistas.

La pregunta del millón es ¿Cómo obtengo más reproducciones?
Backstage ofrece varias formas de promocionar tu música, como Links PreSave, Smartlinks de Contenidos, Ingreso en Playlists Oficiales, Campañas publicitarias, Secuencias y más. Tu creatividad es el único límite para tu éxito en hacer correr la voz sobre tu música.

Ten en cuenta que la Participación (Engagement) es mas importante que unas cuantas métricas espectaculares, como por ejemplo la cantidad de reproducciones que tiene tu canción / álbum. Hacer crecer tus seguidores orgánicamente a través de tu propia promoción creativa siempre te servirá mejor a largo plazo.
Desafortunadamente, algunas compañías de marketing han convencido a los artistas para que paguen por servicios que «garantizan» cientos o incluso miles de reproducciones para inflar la percepción de los fans o el éxito de un artista. Estos servicios son completamente ilegítimos y, a menudo, conducen a un aumento masivo de reproducciones de un número relativamente pequeño de cuentas / usuarios que no solo diluye tu verdadera base de fans, sino que también puede tener consecuencias mucho más graves.

¿Son legítimos los servicios de terceros que garantizan las transmisiones?

Los servicios promocionales de terceros que anuncian transmisiones a cambio de un pago violan los términos y condiciones, y su uso podría resultar en la eliminación de tu música de Spotify.

¿Cuáles son las consecuencias de participar en estos servicios ilegítimos?

Cuando Spotify identifica o es alertado sobre casos potenciales o confirmados de manipulación de transmisiones, toman medidas que pueden incluir la retención de regalías, la corrección de los números de transmisión y medidas para garantizar que la popularidad del artista o la canción se refleje con precisión en nuestras listas. Spotify se reserva el derecho de eliminar contenido manipulado de la plataforma.

Educación continua

Parece haber un número cada vez mayor de streamers artificiales en el mercado y la educación continua para los artistas, la gerencia y los sellos puede ayudar a identificar a estos malos actores.
Las medidas pueden incluir:

  1. Advirtiendo contra los servicios de marketing y listas de reproducción que prometen aumentar las transmisiones o garantizar la ubicación de la lista de reproducción;
  2. Comunicar que los servicios legítimos de marketing y Playlists no ofrecerán reproducciones a cambio de efectivo (los llamados «esquemas de pago por reproducciones«);
  3. Alentar la investigación exhaustiva de cualquier servicio de marketing o listas de reproducción de terceros antes de contratarlos; y
  4. Advirtiendo contra servicios ilegítimos específicos que se haya identificado.

¿Cómo hacer una portada exitosa?

En este artículo, te mostraremos cómo hacer una portada de disco que atraiga la atención de los fans de la música; dándote algunos consejos útiles, herramientas y trucos para asegurarte de subir con éxito tu carátula a las mayores plataformas digitales del mundo.
¿Por qué es tan importante tener una buena portada de disco?
La música y la imagen son la pareja perfecta. Esto puede parecer una obviedad, pero no siempre ha sido así. En los años 20, las carátulas de los discos tenían un uso puramente funcional: proteger el disco que había dentro. No fue hasta 1940 cuando alguien llegó y cambió la industria musical para siempre. Esa persona fue Alex Steinweiss que, poco después de aceptar un trabajo en CBS Records, tuvo un momento de inspiración: en lugar de vender discos en aburridos envoltorios de papel, Steinweiss sugirió a CBS que añadiera arte a las cubiertas de los álbumes. Con sus diseños, las ventas de discos se dispararon y nació el concepto de portada de álbum tal y como lo conocemos.

En un mundo digital en el que la música se escucha mayoritariamente en las plataformas de streaming online, es posible que alguien se plantee por qué sigue siendo importante la portada de un lanzamiento. Incluso en el panorama actual, la carátula sigue siendo una parte vital de la promoción y distribución de la música. En primer lugar, no es posible enviar tu música a ninguna plataforma musical sin ella; por lo que es una parte crucial del proceso.
El arte gráfico debe ser una extensión de tu visión artística, parte de tu marca visual. Como dijo Steinweiss, «quería que la gente mirase la obra de arte y escuchara la música». Eso es exactamente lo que hace una buena portada: dar una pista sobre la música que te puedes encontrar al escuchar el disco. Las ilustraciones de los álbumes son como una puerta de entrada hacia lo que el oyente puede esperar escuchar, e incluso pueden ayudarle a descubrir algo sobre la persona que está detrás de la música.
Cada single, EP o álbum puede representar visualmente una etapa específica de tu viaje musical. El diseño de tu portada puede influir en todos los aspectos de tu campaña de lanzamiento: pósters para conciertos, diseños de decorados para giras, productos de merchandising y mucho más.

El diseño de la portada de un disco al detalle
La carátula de un disco es un lugar para expresar tu creatividad, pero hay algunas reglas que debes seguir para asegurarte de que tu single, EP o álbum pasa las directrices establecidas por los principales sitios de música.

  • Tamaño del archivo de imagen: la dimensión estándar para la mayoría de tiendas y plataformas es de 4100 x 4100 píxeles.
  • Imágenes explícitas: no se aceptará ninguna obra que contenga imágenes desnudos, violencia o discriminación de cualquier tipo.
  • Enlaces, logotipos y personajes famosos: no deben haber referencias a redes sociales, plataformas musicales, personalidades del deporte, cine o televisión u otras celebridades, ni deben usarse marcas de manera evidente.
  • Alfabetos no latinos: se puede elegir cualquier idioma siempre que el texto en la portada coincida con el título de la publicación.
  • Imágenes borrosas o pixeladas: si hay pixelación alrededor de las palabras, las imágenes o en las esquinas de la obra de arte, muchos sitios pensarán que no se ha hecho a propósito y pueden rechazar el diseño.
  • Utilizar el mismo diseño para varios lanzamientos: un artista puede utilizar el mismo diseño para, por ejemplo, varios lanzamientos de singles pero deberá hacer referencia a los diferentes títulos de cada uno para distinguirlos entre sí. Nosotros recomendamos utilizar diseños nuevos si se dispone de tiempo para ello. Además, las plataformas tampoco aceptarán las portadas en blanco, que utilicen un solo color o que sean demasiado genéricas.

¿Puedo utilizar imágenes con derechos de autor?
Lamentablemente no, a menos que cuentes con la autorización del titular de los derechos de autor de la imagen que utilices. Utilizar una imagen sin permiso resultará en una infracción de los mismos. Más vale prevenir que curar y, por eso, existen muchos sitios web que ofrecen fotos e imágenes de stock gratuitas y de gran calidad que puedes utilizar sin preocuparte por infringir ninguna norma. Te recomendamos que busques en Unsplash, Pexels, Negative Space y Death to Stock, por nombrar algunos. Canva también es un gran recurso de imágenes de stock gratuitas, pero es mucho más que eso. Sigue leyendo para saber más sobre el ingenioso software de diseño de Canva.
Otro gran sitio para buscar es New Old Stock. Si buscas una estética vintage, este sitio se centra en fotos de época procedentes de archivos públicos. Eso sí, antes de utilizar cualquiera de las imágenes de este sitio web, asegúrate de comprobar el acuerdo de licencia. Si no te queda del todo claro si puedes utilizar una determinada imagen, comprueba la declaración de derechos de la institución a través del enlace que aparece en la publicación original de Flickr. La mayoría prefiere que se enlace a la foto original de Flickr y se mencione a la institución por su nombre.

Cómo diseñar una portada de disco: algunos consejos de experto
Ahora que ya conoces la historia de las portadas de discos y todos los pormenores del proceso de diseño de las mismas, ha llegado el momento de dar vida a tus ideas. El mejor punto de partida es hacer un poco de investigación. Elige algunas portadas de discos que te gusten y piensa en lo que las hace tan atractivas: ¿es el uso del color, la tipografía o la imagen? ¿Hay algún artista que te llame la atención visualmente? Hacer una lista de estos elementos inspiradores, agrupándolos en los llamados paneles de tendencias (también conocidos como «mood boards»), te ayudará a tener una visión más clara de cómo debería ser la portada de tu disco.
Si decides trabajar con un diseñador gráfico, tus puntos de referencia y tus paneles le darán a tu colaborador una mejor idea de lo que quieres conseguir con el aspecto visual de tu música. Más adelante, hablaremos sobre la colaboración con profesionales del diseño gráfico. Antes de empezar a investigar, este artículo del blog ofrece una amplia variedad de consejos de diseño gráfico para músicos.
Conclusión: No hace falta ser diseñador para crear portadas llamativas. Lo único que se necesita es interés, algo de investigación y un buen conocimiento de las proporciones, los tipos de letra y el uso del color.

Cómo hacer una carátula de disco con Canva
Si eres un artista independiente, es posible que no tengas el presupuesto para costearte una sesión de fotos profesional para promocionar tu lanzamiento, sobre todo si te encuentras en los comienzos de tu carrera musical. Además, con todos los diferentes canales y contenidos que los músicos crean hoy en día, necesitas imágenes frescas para muchas situaciones: diseños de álbumes, portadas de singles, miniaturas de YouTube, mixes de SoundCloud… la lista continúa.
Lo bueno es que ahora existen herramientas y aplicaciones online que hacen que el proceso de diseño de carátulas sea rápido y sencillo. Una de esas herramientas es Canva, un creador de diseños gratuito que te permite crear increíbles portadas para álbumes, podcasts y pistas musicales en tan solo unos minutos. No se necesita ninguna experiencia en diseño gráfico, ya que las plantillas y elementos incluidos están creados por diseñadores profesionales, lo que te ayudará a que tu creación parezca obra de un artista de verdad. Además, Canva te permite personalizar las fuentes, los colores, las imágenes, así como añadir filtros para crear diseños que reflejen tu visión artística.

Otras formas de hacer la portada de tu álbum
Como artista independiente, ya sabes lo que es abrirse camino a través de tu amor por la música. Si el diseño gráfico no es lo tuyo, prueba a ponerte en contacto con un profesional del diseño gráfico de la Agencia Allegro. De esta forma, tendrás a tu disposición años de experiencia de un compañero creativo que también se dedica a su pasión.
Si quieres que te diseñen algo específico para la carátula de tu disco, o si quieres desarrollar tu propia identidad de marca para aplicarla a lo largo de tu carrera musical, buscar un diseñador será la mejor opción. Esto costará más dinero, pero verás que hasta el último céntimo invertido merecerá la pena. Empieza preguntando en tu red de contactos y luego en los foros de músicos y grupos de redes sociales. Si sigues sin encontrar lo que buscas, plataformas como Upwork y 99Designs pueden ponerte en contacto con diseñadores profesionales.
Si todo va bien, tendrás a alguien que entiende tu visión y podrá seguir ayudándote con tu arte gráfico a medida que tu carrera avance.

Algunas de nuestras portadas de discos favoritas
Aquí te dejamos algunos diseños de portadas creados por nuestra comunidad de artistas internacionales.

Canvas de Modelo de Negocio Musical

¿Qué es un Canvas de Modelo de Negocio Musical?
Lanzar música en los inicios de la carrera de un artista no siempre resulta ser la tarea más fácil. Hay muchos términos confusos e incluso no se sabe por dónde comenzar. Es por eso que aplicamos el método del Canvas de Modelo de Negocio (plantilla de gestión estratégica, plan de negocios visual) para ayudarte a entender cómo echar en marcha tu proyecto musical.

Existen 9 actividades o elementos dentro del Canvas de modelo de negocio que se conectan unas con otras. Si respondes cada una de ellas, será más fácil encontrar un camino en tu proyecto musical.

Los 9 elementos del Canvas de Modelo de Negocio

  1. Segmentos de Mercado (Clientes = Público): ¿A quién va dirigida tu música? Para saber esto, crea un «cliente» personal, idealiza al tipo o tipos de personas que estarán escuchando tu música. No te conformes con pensar en categorías demográficas como edad o sexo, también piensa en ¿qué les gusta hacer en su tiempo libre? ¿a dónde les gusta ir a comer? Define los aspectos más relevantes de tu audiencia.
  2. Propuesta de Valor: ¿Cuál es la diferencia entre tú y cualquier otro artista? Encuentra el diferenciador. ¿Ofreces música diferente? ¿Tienes una imagen? ¿Estás ofreciendo letras para enamorar? ¿Música para bailar, inspirar, cantar?
  3. Canales de Distribución: ¿Qué medios usarás para que tu público conozca tu propuesta de valor? Backstage se encarga de distribuir tu música a plataformas de streaming (+150 como Spotify, YouTube Music, Apple Music, Deezer, Claro Música, etc). Dentro de estos canales también debes de considerar redes sociales como TikTok, Instagram, Facebook, Twitter…
  4. Fuentes de Ingresos: ¿Cómo obtienes ingresos? ¿Cómo financiar tu proyecto? Considera todo lo que pueda generar ingresos: regalías editoriales, regalías mecánicas, conciertos, live streams y muchas otras fuentes.
  5. Recursos Clave: esto puede ser desde conocimientos, recursos físicos, financieros, humanos… en términos musicales: tu banda, estudio de grabación, el blog Músico DIY, un equipo de marketing e incluso tu talento.
  6. Relación de Clientes (fans, público): debes de decidir cuál será el tipo de relación que tendrás con ellos. ¿Te ven como un amigo, colega, alguien cercano? ¿O tal vez serás un ídolo? En algunas industrias, los fans siempre van primero, el concepto de Fans First es lo más importante para ellos y todo el tiempo están en comunicación por medio de contenidos masivos como videos, Twitter, etc.
  7. Actividades Claves: cualquier proceso que es esencial para desarrollar tu música. Aunque parezca obvio, tener una lista te ayudará a tener todo listo y a tiempo. Puedes empezar desde: escribir una canción o encontrar alguien que escriba para ti, grabación de tu producción, escoger el estilo de tu imagen, marketing, relaciones públicas, branding, escoger a tu distribuidor digital.
  8. Socios Claves: cualquier partner o socio que ayude en tu carrera, desde Backstage hasta tu familia y amigos, un manager, booker, inversionista, diseñador, etc.
  9. Estructura de costos: ya que tienes todas las piezas que necesitas, deberás de considerar cuál será el costo de cada una de ellas. ¿Qué gastos debes hacer? ¿En qué vas a invertir dinero? Crea una lista de los gastos y categoriza de acuerdo con la importancia que cada uno tendrá en el desarrollo de tu proyecto.

6 Ideas Erróneas Sobre las Regalías de YouTube

YouTube puede ser una plataforma muy lucrativa para creadores, artistas y compositores, pero a veces puede ser confusa de navegar. Los vídeos que contienen música en YouTube pueden generar regalías por el componente de vídeo, las grabaciones de sonido y las composiciones a través de los ingresos publicitarios, en función de las afirmaciones de los titulares de derechos que controlan el contenido de esos vídeos.

Los vídeos monetizados de YouTube generan regalías mecánicas y de ejecución para los compositores, y cualquier vídeo que contenga una canción, incluso un vídeo de una portada o una presentación en vivo, pueden ser monetizados por las editoras.

En Backstage, queremos que nuestros clientes sepan de dónde provienen sus regalías y cómo cobrarlas, así que a continuación hay seis cosas en las que puedes haber cometido un error al cobrar regalías de YouTube.

Solo puedes ganar dinero con los vídeos que subes tú mismo

Como compositor, tienes derecho a monetizar y cobrar regalías de cualquier uso de tus canciones. Las editoras pueden reclamar cualquier vídeo en YouTube en cualquier canal que contenga música controlada por ellos y sus escritores, ya sea que el vídeo contenga una grabación oficial, una actuación en vivo, una versión de portada, etc., ya sea que tú mismo hayas subido o no el vídeo. Una vez que tu editora tiene un reclamo sobre un vídeo, puede optar por monetizar ese vídeo y cobrar regalías (cuando ese vídeo es elegible para monetización; más sobre eso más adelante).

Tu sello/distribuidor monetiza tus composiciones en YouTube

Las canciones obtienen regalías de dos maneras: desde la grabación máster (archivo de audio real) y la composición (música y letras subyacentes). La mayoría de los sellos discográficos/distribuidores solo controlan las grabaciones máster, por lo tanto, solo recopilan regalías generadas por la grabación máster en YouTube. Como compositor, también se te deben las regalías generadas por la composición, y es posible que no las obtengas de YouTube a través de tu sello o distribuidor. Necesitarás una opción de edición, como Backstage Publishing como tu administrador de edición de música, para monetizar tu composición y recaudar esas regalías en tu nombre.

Los vídeos sin anuncio generan regalías

Los vídeos en YouTube no generan regalías hasta que se publique un anuncio en ellos. Las regalías en YouTube son esencialmente una parte de los ingresos publicitarios. Los anuncios solo se publican en los vídeos por un propietario de derechos de autor (un sello, una editora, etc.) que presenta un reclamo en un vídeo y le dice a YouTube que monetiza ese vídeo. Si ves un vídeo en YouTube.com que no tiene un anuncio antes/durante/después/al costado, ese vídeo no genera regalías para los titulares de derechos del contenido. Sin embargo, se generan regalías por los vídeos de YouTube que se ven a través de sus servicios de contenido de pago, como YouTube Red y YouTube Music.

Hay una tarifa de regalías establecida por vista

Las tarifas de regalías en YouTube dependen de muchos factores y son notoriamente confusas. Las tarifas dependen del tipo de anuncio que se publique en el vídeo, el territorio en el que se realizó la vista, la época del año, la plataforma de YouTube (de pago o no) y muchos otros factores. Debido a esto, es muy difícil estimar cuánto ganará un vídeo en ingresos publicitarios.

«Reclamar» un vídeo le da a ese canal una advertencia de derechos de autor

Un canal de YouTube recibe una advertencia de derechos de autor cuando un titular de derechos notifica formalmente a YouTube que el usuario no tiene permiso para publicar el contenido en un vídeo y emite una solicitud legal para eliminar el vídeo de ese canal. YouTube se toma muy en serio las advertencias de derechos de autor; después de tres advertencias, todos los vídeos en un canal se eliminan y el canal está sujeto a terminación. Cuando un titular de derechos presenta un reclamo en un vídeo para monetizarlo, no le da al canal que lo sube un aviso de derechos de autor ni pone al canal en ningún tipo de mala reputación con YouTube.

Cualquier vídeo en YouTube puede ser monetizado

A partir de febrero de 2018, YouTube agregó umbrales para la monetización de vídeos. Esto incluye que los vídeos deben estar en un canal que tenga al menos 1.000 suscriptores y 4.000 horas de tiempo de reproducción en los últimos 12 meses para poder tener anuncios colocados en tus vídeos, por lo tanto, se monetizan.

Como creador independiente, YouTube es una gran herramienta para crear y compartir contenido para promocionar tu música y generar regalías también. Es importante comprender cuáles son tus derechos, cómo puedes monetizar vídeos usando tu música y cobrar las regalías generadas, y qué tipos de regalías te corresponden.